Ausstellungen 2026

pia und monika seit 1979 an wassern 
Rauminstallation Zeitzeichen: 
Texte, Farbe, Collage, Objekte

BULB 6000 ist ein Off-Space für zeitgenössische Fotografie, gegründet 2025 in Luzern von Daniela Ardiri, Patrick Blank und Mischa Christen – drei Künstler:innen und Fotograf:innen, die in der lokalen Kunst- und Kulturszene aktiv sind. Das Projekt entstand aus dem Wunsch heraus, einen unabhängigen Ort für Austausch, Recherche und gemeinschaftliche Praxis rund um das zeitgenössische Bild zu schaffen – lokal verankert und zugleich international offen. 

Die Ausstellung präsentiert Arbeiten der drei Gründer:innen und bildet zugleich den Auftakt eines Programms, das in den kommenden Monaten Ausstellungen, Workshops, Screenings und öffentliche Gespräche nach Luzern bringen wird. Die gezeigten Werke spiegeln unterschiedliche, sich ergänzende fotografische Positionen wider und verstehen Fotografie als Mittel der Beobachtung, Erinnerung, Beziehung und Transformation.

Der Name BULB 6000 bezieht sich auf den fotografischen „Bulb“-Modus, bei dem der Verschluss für längere Zeit geöffnet bleibt. In diesem Sinne versteht sich der Raum als offener Ort für Prozesse, Experimente und interdisziplinäre Zusammenarbeit.

Neben dem Ausstellungsprogramm umfasst BULB 6000 auch einen Bookshop mit Fotobüchern und unabhängigen Publikationen sowie verschiedene öffentliche Formate für die lokale Kunst- und Fotoszene.

Die Ausstellung stellt die Geschichte eines Hauses und seine Veränderung über mehr als vier Jahrzehnte ins Zentrum der Auseinandersetzung. Architektur wird dabei nicht als abgeschlossenes Objekt verstanden, sondern als kultureller Prozess, der sich über Zeit, Nutzung und gesellschaftlichen Wandel entfaltet. Im Fokus steht das Fotostudio Frei von Herzog & de Meuron (1981/82), das in der Architekturgeschichte immer wieder als Schlüsselprojekt erscheint, bislang jedoch kaum dokumentiert und nur schwer zugänglich war. Mit der kürzlichen Transformation durch studio ne wurde die Geschichte erstmals gesamthaft aufgearbeitet. Die Ausstellung erzählt die Wandlung dieses Hauses entlang seiner Entstehung, seiner Nutzungen, seiner Gefährdung und seiner Transformation. Fotografien, Pläne, Skizzen, Archivmaterial bilden die tragende Erzählebene und zeigen, wie das Gebäude Veränderungen aufnimmt und seine Qualität gerade durch Wandel bewahrt.

Eine Zusammenarbeit mit Florian Stroh von studio ne aus Basel.

Anlässlich der Erschliessung des Nachlasses des Grafikers Hans «Kü» Küchler (1929–2001) im und durch das Kunstmuseum Olten zeigt das Hans Erni Museum in Kooperation mit der Oltener Schwesterinstitution und dem Verkehrshaus der Schweiz unter dem Titel «Phantastische Flugobjekte. Hans Küchler und Verwandte» eine Schau zu den Flugmaschinen- und Flugzeugzeichnungen des Künstlers.

Diesem erfinderischen Werk werden in der Ausstellungen Objekte der imaginären Fliegerei aus der Sammlung des Verkehrshauses sowie Arbeiten von zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern wie Jürg Benninger (*1966), Peter Chevalier (*1953), Hans Erni (1909-2015), Valerie Favre (*1959, Franz Fedier (1922-2005), David Fuhrer (*1974)., Reto und Markus Huber, Huber.Huber (*1975), Rosa Lachenmeier (*1959), Wilhelm Morat (*1954), Camilo Salvador Díaz de Villalvilla Soto (*1976), Ursula Sax (*1935), Roman Signer (*1938), Daniella Tuzzi (*1964), Peter Wüthrich (*1962) und Robert Wyss (1925 – 2004) gegenübergestellt, die sich phantasievoll aus der Schwerkraft lösen und auch der Imagination von Betrachterinnen und Betrachtern Flügel verleihen.

Der kubanische Künstler und Architekt Camilo Villalvilla Soto verbindet in seinem Werk Einflüsse aus Architektur, Grafikdesign und zeitgenössischer Konzeptkunst. Im Zentrum seiner Arbeiten stehen Skulpturen, Zeichnungen und räumliche Konstruktionen, die sich mit gesellschaftlichen Gegensätzen, politischer Polarisierung, Kommunikation und der Geometrie der Natur auseinandersetzen. Seine Werke bewegen sich zwischen Idee, Raum und Wahrnehmung und laden den Betrachter zu vielfältigen Interpretationen ein. 

International präsent seit den frühen 2000er-Jahren, zeigte Villalvilla Soto Arbeiten unter anderem im Denison Museum of Arts (Ohio), im Cuban Art Space (New York), im Bronx Museum of the Arts sowie an der Biennale von Havanna. Gastkünstlerin ist Angela Burkhardt-Guallini, die mit ihrer präzisen Neriage-Keramik international ausgezeichnet wurde.

Mit ein besonderes, nie gut zu machendes Unglück wählt Robert Estermann einen Titel, der aus Franz Kafkas Kinder auf der Landstrasse herausgelöst ist und zugleich als eigenständiger sprachlicher Körper erscheint. Das „Unglück“ bezeichnet hier weniger eine Katastrophe als eine Schwelle: einen Moment, nach dem die Welt nicht mehr in denselben Zustand zurückkehrt. In der Ausstellung treten Werke mit Sound, Video, Zeichnung, Körper und Sprache in ein Verhältnis, das sich weder symbolisch beruhigen noch moralisch glätten lässt, sondern eigene Brüche, Verschiebungen und Intensitäten hervorbringt. Der Titel steht dabei weniger über der Ausstellung als an ihrer Schwelle. Estermann lebt und arbeitet in Berlin und ist in Luzern unter anderem durch den Manor Kunstpreis 2007 und seine Performance mit Emos bekannt.

STILLE HORIZONTE - Eintauchen in Licht, Ruhe und Weite

Die Natur ist für Jacqueline Arnet ein Zufluchtsort und eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration. Die zentrale Intention hinter jedem ihrer Bilder ist es, eine visuelle und emotionale Pause zu schaffen, in einer zunehmend lauten und beschleunigten Welt wie unsere.

Ihre Landschaftsbilder sind nicht primär darauf ausgerichtet, spezifische Orte topografisch genau abzubilden. Vielmehr fokussieren sie sich auf die Essenz einer Landschaft: die Atmosphäre, das Licht und die Stille. Die Darstellungen zeigen weite Horizonte, sanfte Küstenlinien, dramatische Wolkenformationen und das Spiel des Lichts auf Wasser und Bergen. Sie arbeitet mit einer Technik aus Strukturpaste, Acryl-, Mixed-Media- oder Ölfarben, wobei sie die spezifischen Eigenschaften jedes Mediums geschickt einsetzt. 

Das übergeordnete Ziel der Künstlerin Jacqueline Arnet ist die Erschaffung eines „Pausenraums“. In einer Gesellschaft, die oft von Reizüberflutung und Geschwindigkeit geprägt ist, sollen ihre Bilder als Anker dienen. Der Betrachter wird eingeladen, innezuhalten, den Blick schweifen zu lassen und die eigenen Gedanken zur Ruhe kommen zu lassen. Jacqueline Arnet hat mit ihrer Malerei einen Weg gefunden, die tiefe emotionale Wirkung der Natur in eine visuelle Sprache zu übersetzen.  

Die Duo-Show bringt zwei Positionen in einen Rhythmus, der sich entlang der Wände durch den Raum bewegt: abwechselnd eine Arbeit von Sania Nascarella, eine von Moselle, geführt von Öffnungen, Ecken und Übergängen. 

Moselle (*1999, lebt und arbeitet in New York) malt helle, abstrakte Ölbilder aus vielen übereinander gelegten Schichten. Bildmaterial aus Film, Natur und inneren Welten verdichtet sich zu Kompositionen, in denen sie davon spricht, „Stimmung" zu malen, soweit sich diese festhalten lässt.

Sania Nascarella (*2001, lebt und arbeitet in Luzern) arbeitet primär mit schwarzem Samt – genäht, schabloniert, graviert, beflockt oder imitiert. Über Material, Form und Titel verhandelt sie Motive von Unsicherheit, Illusion und Glamour.

Kika Vilela entwickelt eine künstlerische Praxis, in der sich persönliche Erinnerung, traditionelles Handwerk und die Suche nach Zugehörigkeit verdichten. Als Tochter portugiesischer Einwanderer in der Schweiz orientiert sie sich an der Tradition der Azulejos, den handbemalten portugiesischen Keramikfliesen. Keramik ist für Vilela ein Material mit Gedächtnis. Für die Ausstellung im sic! Elephanthouse mit dem Titel "Born To Gallopp", hat Vilela rund fünfhundert Fliesen von Hand geformt, glasiert, gebrannt und verlegt, sodass ein zusammenhängendes malerisches Feld entsteht.

Auf diesen Fliesen erscheinen Malereien von Pferden und Autos, die sich mit der widersprüchlichen Energie des Feuerpferd-Jahres aufladen. Das Pferd verkörpert inneren Antrieb und den Wunsch nach Bewegung, das Auto die menschliche Vorstellung von Geschwindigkeit und Kontrolle. Indem Vilela beide Bildwelten miteinander verknüpft, lotet sie aus, wie viel Beschleunigung eine Biografie zulässt und wo sich Räume der Ruhe behaupten. Die Ausstellung markiert einen Moment, in dem sich angestaute Energie in einen unumkehrbaren künstlerischen Aufbruch verwandelt.

Die Ausstellung Teo Petruzzi – Return to Sender richtet den Blick auf die Schweiz als reiche Nation inmitten einer globalen Polykrise. Ausgehend von der These, dass der Globale Norden seine inneren Widersprüche historisch in den Globalen Süden ausgelagert hat, fragt Petruzzi: Was geschieht, wenn diese Defizite mit dem Vermerk «Return to Sender» zurückkehren? Im Zentrum steht eine Videoarbeit im Stil eines TV-Beitrags, die eine fiktive Drohnenpilot:in in naher Zukunft begleitet. Die Drohne dient dabei als ein Spiegel kapitalistischer Mechanismen. Sie verdichtet das neoliberale Versprechen von Automatisierung und Rationalisierung, wirft Fragen nach Distanz, Verantwortung und Entfremdung auf und verbindet zivile Alltagslogistik mit militärischer Gegenwart.

Mutter ist eine begehbare Rauminstallation, die sich mit Volkskultur, Ritualen und deren Bedeutung für Gemeinschaften auseinandersetzt. Im Zentrum steht eine skulpturale weibliche Figur.

Die Installation wird durch eine Performance eröffnet. Zwischen ritueller Handlung, festlicher Ausgelassenheit und skurrilem Spektakel entfaltet sich ein vielschichtiges Geschehen rund um Themen wie Fürsorge, Nahrung, Fruchtbarkeit, Gemeinschaft. Die Besucher werden dabei nicht nur zu Betrachtenden, sondern zu einem aktiven Teil des Geschehens. Ein multisensorisches Erlebnis, das die Grenzen zwischen Ausstellung und gemeinschaftlicher Erfahrung verschwimmen lässt.

Künstler:in: Maison Sahne Taube

Das Werk von Leonardo Vargas entfaltet sich als eine malerische Auseinandersetzung mit dem Bild als konzeptuelle und formale Referenz. Die Ausstellung konzentriert sich auf zwei Werkgruppen, die sich spezifisch mit dem fotografischen Bild auseinandersetzen: die Neuinterpretation historischer Daguerreotypien sowie eine Serie von Arbeiten, die auf Fotografien aus Modekampagnen basieren. Diese Ausgangsbilder verweisen auf unterschiedliche Kontexte der Kunstgeschichte und werden vom Künstler in eine autonome Bildsprache transformiert.

Zentral für diese Praxis ist die bewusste Integration des Fehlers als ästhetische und technische Strategie. Verzerrungen, Unschärfen und materielle Störungen erscheinen nicht als Mängel, sondern vielmehr als konstitutive Elemente des Bildes. Auf diese Weise reflektiert Vargas die Bedingungen fotografischer und malerischer Repräsentation und erweitert zugleich die Möglichkeiten der zeitgenössischen Malerei.

Barbara Jäggi hat die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Material Stahlblech in den letzten 40 Jahren auf ein hohes Niveau geführt. Das Werk der Luzerner Künstlerin ist unerhört reichhaltig und überzeugt durch seine präzise Formensprache und poetische Reduktion. An der Ausstellung im Raum K zeigt sie neben ihren Stahlblech-Objekten im Innenraum und Aussenraum auch neuere Wandreliefs aus Teichbinsen und Pfeifengras.

Schon früh hat Barbara Jäggi ihre Objekte für Theaterproduktionen inszeniert oder mit Musikerinnen und Musikern zusammengearbeitet. Die Stahlblech-Skulpturen sind immer auch Objekte, die klingen. Nur folgerichtig, dass im Rahmen der Ausstellung die Musikalität von Barbara Jäggis Objekten in verschiedenen Interventionen zum Leben erweckt wird.

Im Rahmen von Kunsthoch finden zwei literarisch inspirierte Rundgänge mit Leslie Schnyder durch die Ausstellung statt: 13 und 15 Uhr 

Ladina Gaudenz wuchs im Engadin auf, begann ihre künstlerische Ausbildung in Luzern und schloss sie in Genf ab, wo sie heute lebt. Ihre Malereien wirken oft wie Momentaufnahmen, die präzise beobachtete und ­ausgewählte flüchtige Phänomene festhalten: Lichtblitze auf einer leicht bewegten Wasseroberfläche, ­heraufziehender Nebel an einem Berghang, vergängliche Blüten an einem Kirschbaum, oder ­Menschen in einer Landschaft.

Aus Anlass der Ausstellung wird die Künstlerin eine grossformatige Wandmalerei realisieren.

Die Visarte Zentralschweiz, Berufsverband der visuellen Kunst, widmet sich in dieser Ausstellung ihren Neumitglieder und Newcomer. Gezeigt werden die Werke der „Neuen“ aus dem Jahr 2025 in der Kunstplattform akku in Emmenbrücke. Zu sehen sind Malerei, Installation, Fotografie und raumbezogene Arbeiten. 

Die Ausstellung befindet sich in den Räumen der akku - Kunstplattform.

Künstler:innen:
Clea Baschung, Luzern / Reto Eberhard Rast, Luzern / Lorenz Rieser, Emmenbrücke / Julian Walss, Sursee / Noëmi Mensah-Gamma, Flüelen / Janine Schranz, Brunnen / Olena Vavourakis, Baar / Tamara Zumbühl, Luzern / Flavio Micheli, Rom IT / Sitara Abuzar Ghaznawi, Basel / Sandro Halter, Giswil / Noël Hochuli, Zürich / Maria Pol, Luzern / Eve Lene Walker, Luzern / Bettina Filacanavo, Zürich

«Orte ohne besondere Lagequalitäten» Die ISOS-Ortsbildaufnahmen der Luzerner Agglomeration

Das ISOS-Inventar baut auf einem klaren Schweizbild mit von der Landwirtschaft geprägten idyllischen Dörfern und pittoresken mittelalterlichen Städten auf. Sie sollen erhalten bleiben und gepflegt werden. Die Agglo-Gemeinden haben in diesem Bild keinen Platz. Sie wurden bei den Ortsbildaufnahmen deshalb als «Orte ohne besondere Lagequalitäten» bestätigt und bringen ihr schlechtes Image auch deshalb nicht mehr los. Die Agglo ist hässlich, unwirtlich, störend und wird in der baulichen Entwicklung der Raumplanung überlassen. Die Ausstellung unternimmt nun am Beispiel der Luzerner Agglo eine Relektüre des damaligen Fotobestandes. Lässt ein Blick zurück in das fotografische Inventar der ISOS-Ortsbildaufnahmen eine Neubewertung zu?

Eine Zusammenarbeit mit Gerold Kunz und Manuel Medina Gonzalez.

Heimat wärmt, grenzt aus, wird verteidigt, verloren, neu erfunden. Wer dazugehört, wer darüber entscheidet, bleibt umkämpft. «Crossroad – Home in Motion» versammelt sechzehn künstlerische Positionen, die Heimat nicht als festen Ort, sondern als bewegliches und prekäres Verhältnis begreifen. Zwischen Erinnerung und Aufbruch, Nähe und Ausschluss, Ankunft und Verlust richten die Arbeiten den Blick auf Zugehörigkeit in einer Gegenwart, in der Lebensorte verschwinden, Identitäten unter Druck geraten und vertraute Ordnungen brüchig werden.

Eine Einzelausstellung, in der Karyna Herrera ihre Kunstwerke zeigt und sich mit Körper, Erinnerung, Präsenz und persönlichem Erleben auseinandersetzt. Die Arbeiten bewegen sich zwischen bildender Kunst und performativer Handlung. Dabei entstehen Räume in denen Erfahrung, Wahrnehmung und Ausdruck miteinander in Beziehung treten.

«O Lust vom Berg zu schauen, weit über Wald und Strom» – Joseph von Eichendorffs Gedicht «Bergeslust» besingt das Hochgefühl des Gipfels: den weiten Blick, den klaren Himmel, die Freiheit über den Wolken. Fanny Hensel-Mendelssohn vertonte diese Verse als ihre letzte Komposition – und schuf damit nichts weniger als eine Hymne an die Lebensfreude.

Giorgio Avanti, der Luzerner Maler mit Atelier in Walchwil, hat diese Lust auf seine Weise eingefangen. Er malt nicht die Berge, wie sie dastehen. Er malt ihr Klingen. Denn für Avanti ist Farbe nichts ohne Klang, kein Pinselstrich ohne vorhergehende Vibration. Die Stille der Bergwelt ist für ihn nicht die Abwesenheit von Klang, sondern sein Ursprung. Hier entspringt die überschwängliche Freude, die Eichendorff besang, hier beginnt die Sprache der Farben, die Avanti beim Malen wie eine unsichtbare Partitur begleitet.

In seinen neuesten Arbeiten, die nun in der Galerie Müller zu sehen sind, wird diese «Bergeslust» sichtbar: ein lautes, farbiges Gebrüll gegen das bedrohliche Grollen da draussen. Avanti versucht, die Saiten in uns zum Schwingen zu bringen – und lädt ein, sich von diesem Klang berühren zu lassen.

(Text: Isabel Studer)

Die Ausstellung „Deine Kunst. In unserer Galerie.“ bringt Kunstschaffende aus der Zentralschweiz in einen besonderen Dialog. In der Galerie im Kloster Rathausen begegnen sich Menschen mit unterschiedlichen Erfahrungen, Sichtweisen und künstlerischen Ausdrucksformen auf Augenhöhe. Künstlerinnen und Künstler der Stiftung SSBL wirken dabei nicht nur als Gastgeberinnen und Gastgeber, sondern auch als Mitkuratorinnen und Mitkuratoren der Ausstellung.

Im Mittelpunkt stehen Austausch, Begegnung und die gemeinsame Freude an der Kunst. Die Ausstellung schafft Raum für Malerei, Zeichnung, Skulptur, Installation und weitere Ausdrucksformen zeitgenössischer Kunst. Dabei entsteht ein vielfältiger Ort, an dem neue Perspektiven sichtbar werden und kreative Verbindungen wachsen können. Die Ausstellung lädt Besucherinnen und Besucher dazu ein, Kunst als gemeinschaftlichen Prozess zu erleben: Offen. Inklusiv. Inspirierend.

Shuttlebus Angebot nach Rathausen:
2x Shuttle-Busse (mit je 1-2 Rollstuhlplätzen)

13:00 Uhr ab Luzern* nach Rathausen (Ankunft Rathausen 13:30 Uhr)
14:30 Uhr ab Luzern* nach Rathausen (Ankunft Rathausen 15:00 Uhr)
15:00 Uhr ab Rathausen nach Luzern nach der ersten Führung
16:30 Uhr ab Rathausen nach Luzern nach der zweiten Führung

* Bus-Einstieg – Kunsthalle Luzern, Friedenstrasse 5 – Hintereingang vom
Bourbaki Panorama Luzern

Shirana Shahbazi (*1974) verfügt über eine differenzierte Perspektive auf unsere Gesellschaft und ihre Herausforderungen. Ihr hochästhetisches Werk etabliert Fragment und Überlagerung als Strategie, um einer komplexen Gegenwart gerecht zu werden. 

Gestützt auf ihre Erfahrung mehrfacher Zugehörigkeit untersucht sie die Konstruktion von Wirklichkeit. Wie lässt sich die erlebte Gleichzeitigkeit von unterschiedlichen Realitäten in Bildern darstellen? Wie können räumliche und emotionale Distanzen erfasst werden? Stets von der Fotografie ausgehend, doch unter Einbezug unterschiedlichster Techniken und Materialien, entzieht sich Shahbazis Werk einer eindeutigen Kategorisierung, es bleibt vielschichtig und transportiert Vielstimmigkeit als politische Haltung.

Die beiden Künstler (Vincent Fournier & Martin Huwiler) verbindet Gespräche seit mehreren Jahrzehnten. Thematisiert wird das Visuelle und das Un-beschreib-bare. Ihre Werke agieren in unterschiedlichen Bereichen und Thematiken. Überschneidungen legen - bei unterschiedlichen Vorgehensweisen - eine vielschichtige Art und Weise der Wahrnehmung der Welt offen. Diese Verknüpfungspunkte sind weniger explizit, als einsichtig, auf jeden Fall bereichernd.

Das Werk von Vincent Fournier steht in der Tradition einer minimalistischen Abstraktion; es ist von großer Anmut, absoluter Aufrichtigkeit und tiefgläubigem Diskurs, den es begleitet – was in der zeitgenössischen Kunst eher selten ist – ist dessen tiefste und untrennbare Quelle. Eine Quelle, die auch überfliesst und all jene berührt, die zu sehen vermögen. 

Marie-Fabienne Aymon

Die Galleria Periferia feiert dieses Jahr sein 40-jähriges Jubiläum. Gegründet wurde die Galerie in Poschiavo (GR) im Jahre 1986. Ab 2002 ist sie in der Stadt Luzerrn tätig. Verschiedene Ausstellungen wurden auch ausserhalb unserer Galerieräume kuratiert. "Tour d 'Horizon" ist die 84. Ausstellung unseres kutlurellen Engagement. Wir zeigen Landschaften von Künstlerinnen und Künstler die mit der Galleria Periferia verbunden sind. 

Donato Amstutz, Guido Baselgia, Irma Ineichen, Anton Egloff, Ilze Orinska, Camillo Paravicini, Vaclav Pozarek, Markus Raetz, Dieter Roth, Markus Raetz, Albrecht Schnider, Roman Signer, Bernard Voita, Pia Zanetti, Luigi Zuccheri u.a. 

Die Ausstellung im Kaminraum umfasst eine Videoarbeit und eine Installation, die unsere gegenwärtige Weltbühne als ein fragiles, mitunter absurdes Theater inszenieren – und zugleich die Frage aufwerfen, wie wir diese Realität deuten oder durchschauen können. 

Die Videoarbeit ist von außen durch einen Lüftungsschacht einsehbar und
zeigt einen erratisch ausschlagenden Pfeil – eine visuelle Achterbahnfahrt, die an die Unruhe und Dynamik der gegenwärtigen Weltlage und einem der Verantwortlichen - dem modernen Finanzkapitalismus erinnert. Die schwankende Kurve, ein Symbol für spekulative Dynamiken und ökonomische Hypes, bewegt sich schnell und unvorhersehbar. Immer wieder scheint er anzusetzen, sich selbst zu verschlingen – wie ein kannibalischer Impuls innerhalb eines instabilen Systems. 

Im Inneren des Kamins verbirgt sich hinter einem Vorhang eine fragmentierte Figur, die den Blick der Besucher*innen erwidert. Ist es ein Selbstporträt, ein Monster, oder versteckt sich hier vielleicht ein Anlageberater? Die Szene wirkt wie ein schlechtes Theaterstück, dessen Mechanismen zugleich offenliegen und doch hinter dem glitzernden Vorhang verborgen bleiben. 

Beide Arbeiten beziehen sich u. a. auf das Buch ‚Cannibal Capitalism‘ von Nancy Fraser, das den Kapitalismus als selbstkonsumierendes System beschreibt – ein Zeitalter, in dem die Grundlagen der eigenen Existenz fortwährend aufgezehrt werden, während das Schauspiel unaufhörlich weiterläuft.

Who writes his_tory?  ist ein kollaboratives Projekt, welches die strukturellen Eigenheiten von Wikipedia hinterfragt und sich gleichzeitig deren Herausforderungen annimmt. Wir laden dazu ein, die Sichtbarkeit von kollektiver Arbeit zu erhöhen, stehen für einen feministischen und situationssensiblen Sprachgebrauch auf der Online-Enzyklopädie ein. Wir machen mit und mischen uns ein und schreiben Artikel über Menschen, die wir denken, unbedingt einen Wikipedia Eintrag erhalten sollen.

Who writes his_tory? findet am Mittwoch 26.8. im Kunstmuseum Luzern statt, am Freitag 28.8. und Samstag 29.8. im (ort).

Was passiert, wenn wir unseren Blickwinkel radikal verändern?

180° ist die maximale Distanz, die wir vom Ausgangspunkt zurücklegen können, ohne in die ursprüngliche Perspektive zurückzukehren. Sie markiert den Punkt einer Inversion – den Moment, in dem die Welt hinter uns zu einer neuen Realität, einem neuen Bild vor uns wird.

Es schafft Raum für das, was uns umgibt, wir aber nicht wirklich wahrnehmen. Durch ein Loslassen der eigenen Perspektive entsteht ein tiefes Zuhören, das uns erlaubt, frei von innerer Selektion echte Transformation anzugehen.
Es ist eine Einladung, die eigene Wahrnehmungsachse zu destabilisieren. Was passiert, wenn wir unsere Voreingenommenheit abschalten können? Was offenbart sich im toten Winkel unserer Aufmerksamkeit?

Kunstwerke fügen sich oft erst in der Vorstellung zu einem Ganzen. Deshalb sind sie Orte der Imagination. Die zeichnerischen und skulpturalen Arbeiten in dieser Gruppenausstellung sind das in besonderer Weise. In unterschiedlichen Zeiten, Kontexten und künstlerischen Praktiken entstanden, teilen sie eine gemeinsame Ästhetik und treiben ein subtiles Spiel mit Material, Farbe und Form, das Wahrnehmung und Vorstellung beflügelt. Hybride Wesen und futuristische Stadtlandschaften begegnen hier abstrakten Linien aus Licht, aus Aluminum gefräst, in Glas geritzt oder als kinetische Animation. 

«Imaginaries» ist eine Reise durch die Zeit, die um das Verhältnis von Mensch und Maschine, Natur und Technologie kreist. Die Ausstellung schafft damit einen atmosphärischen Raum, der ebenso sinnlich wie politisch ist und erfahrbar macht, wie sich latente Zukunftsangst in produktive Energie umwandeln lässt.

Mit Werken von:
Joachim Bandau (*1936, DE), Reto Boller (*1966, CH), Beate Terfloth (*1958, DE), Lux Lindner (*1966, Buenos Aires), Mathis Pfäffli (*1983, CH) und Marcel Duchamp (1887–1968, F)